Nghệ Thuật Ấn Độ | Tác Giả Ananda K. Coomaraswamy - Chuyển Ngữ: Châu Thông

NGHỆ THUẬT ẤN ĐỘ
Tác giả: Ananda K. Coomaraswamy
Chuyển ngữ: Châu Thông

Nguồn: Studies in Comparative Religion, Vol. 15, No. 3 & 4 (Summer-Autumn, 1983). © World Wisdom, Inc. www.studiesincomparativereligion.com

(Bài viết sau đây là một đoạn trích được diễn giải lại từ một bản tóm tắt do Giáo sư AK Coomaraswamy viết để giới thiệu cho một khóa đại học về môn Nghệ thuật Ấn Độ.)

Giá trị của bộ môn này
Về cơ bản, văn hóa là một dạng ý thức— một sự hiểu biết rõ ràng và không thiên vị về nền văn minh của chính mình. Nhận thức này thực sự chỉ có thể có khi chúng ta có thể liên đới nền văn hóa của mình với những nền văn hóa khác, phân biệt được cả những điểm tương đồng và khác biệt. Việc bồi dưỡng khả năng phân biệt tinh tế là điều cần thiết. Thật không may, quan điểm về nền văn minh phương Đông hiện nay thường quá đơn giản, hoặc lãng mạn hóa và chối bỏ. Quan điểm này mang tính địa phương hơn là văn hóa. Để phát triển sự hiểu biết tinh tế, sinh viên phải có thái độ hoàn toàn vô tư, gạt bỏ mọi định kiến về điều gì là "cao hơn" hoặc "tốt nhất". Giáo dục và những phán đoán có định kiến không thể cùng tồn tại. Sở thích cá nhân nên được giữ kín; chỉ có sự suy nghĩ khách quan mới phù hợp với sinh viên hoặc công dân toàn cầu.

Nghệ thuật
Ở châu Âu, cho đến tương đối gần đây, nghệ thuật không được coi là một hoạt động dành riêng cho những người có sự nhạy cảm độc đáo, được gọi là nghệ sĩ, cũng không phải là thứ chỉ được các nhóm chuyên biệt như nhà phê bình, người sành sỏi hoặc người yêu nghệ thuật đánh giá cao. Nghệ thuật được coi là "cách con người đạt được mục đích của mình" hoặc đơn giản là cách để làm mọi việc (trong khả năng của chính mình). Nó không phải là sản phẩm của trí tưởng tượng hay sở thích cá nhân, cần được giải thích cho khán giả đương thời, mà là sản phẩm của nhu cầu văn hóa của một thời đại và địa điểm cụ thể. Nghệ thuật được mọi người sáng tạo ra, một cách tình cờ chứ không phải có chủ ý, và tất cả mọi người đều có thể hiểu được. Sự phân biệt hiện đại giữa nghệ thuật "tinh xảo" và nghệ thuật "trang trí" là sai lầm. Nghệ thuật không thể chỉ được áp dụng cho các vật thể nếu không thì sẽ chỉ có chức năng thuần túy; về bản chất, tất cả nghệ thuật, chỉ đơn giản là tác phẩm thủ công được chế tác tinh xảo.

Nghệ thuật không chỉ là sản phẩm của những thiên tài riêng biệt mà còn được đan xen sâu sắc vào kết cấu của cuộc sống. Nội dung và trọng tâm của cuộc sống đã thay đổi theo thời gian và địa điểm. Vì chúng ta đang nghiên cứu nghệ thuật từ một thời điểm và địa điểm xa lạ với chúng ta, và vì chúng ta muốn đánh giá cao những gì chúng ta sẽ hiểu được—thay vì chỉ khẳng định "Tôi biết những gì tôi thích"—chúng ta phải dành nhiều thời gian để nghiên cứu môi trường vật chất và tâm lý mà nghệ thuật tất yếu được hình thành. Hơn nữa, để áp dụng thuật ngữ chính xác cho nghệ thuật, trước tiên chúng ta phải hiểu những tiền đề chính trong nền văn hóa của nó. Nếu không có sự hiểu biết này, chúng ta chỉ có thể đánh giá nghệ thuật một cách hời hợt miễn là nó có vẻ kỳ lạ, kỳ dị, kì bí hoặc tùy hứng. Tuy nhiên, trong môi trường riêng của nó, nghệ thuật Ấn Độ không phải là bất kỳ thứ nào trong số những thứ này.

Nghệ thuật như một sự diễn đạt
Nghệ thuật là sự bày tỏ ướt đẫm rāsa (trải nghiệm thẩm mỹ); đó là tác phẩm thủ công của con người. Nghệ thuật đẹp ở mức độ nó được thực hiện tinh xảo và đạt được mục đích ban đầu; nó trở nên phi nghệ thuật hoặc xấu xí khi được thực hiện một cách cẩu thả và không đạt được mục đích như mong muốn. Những mục đích này luôn liên quan đến việc thỏa mãn nhu cầu của con người, không bao giờ hoàn toàn có tính thực tế (vật chất) hoặc hoàn toàn lý thuyết (tinh thần); con người cần bánh mì nhưng không sống chỉ bằng bánh mì. Khi những nhu cầu này hoàn toàn mang tính cá nhân, nghệ thuật trở nên tách biệt khỏi môi trường của nó và có thể cần giải thích ngay cả với những người đương thời. Thật khó hiểu tại sao một loại nghệ thuật như vậy lại được triển lãm. Tuy nhiên, khi những nhu cầu này mang tính tổng quát (ví dụ, hội họa Ý thời kỳ đầu hoặc điêu khắc Ấn Độ), nghệ thuật có thể hiểu được đối với tất cả những người đương thời trung bình và được sử dụng thay vì để triển lãm. Loại hình nghệ thuật này thậm chí có thể trở nên "phổ quát", nghĩa là nó có thể được hiểu và sử dụng ngoài môi trường ban đầu của nó.

Hình thức
Cũng giống như hình thức là biểu hiện bên ngoài của chủ đề, hình thức là biểu hiện bên ngoài của nội dung; chủ đề được truyền đạt thông qua hình thức, và giá trị thực tế được truyền tải thông qua hình thức. Trong khi chủ đề và hình thức được xác định một cách có ý thức và có thể thay đổi theo ý muốn, thì nội dung và hình thức không phụ thuộc vào ý muốn, mà phụ thuộc vào phẩm hạnh hoặc, chúng ta có thể nói, ơn huệ của Phạm Thiên. Các mức độ khác nhau của ơn huệ hoặc năng lượng này phân biệt các giai đoạn liên tiếp (e.g., nguyên thủy, cổ điển, suy tàn) trong lịch sử của bất kỳ chu kỳ nghệ thuật nào, tạo thành một chuỗi phong cách. Tuy nhiên, thuật ngữ "phong cách" nói chung hơn là chỉ thành ngữ, hình dạng đặc trưng và công thức của một nhóm dân tộc hoặc giai đoạn nhất định. Khái niệm "chuỗi phong cách" cũng bao gồm những thay đổi trong lĩnh vực này. Khả năng xác định niên đại của các đối tượng "trên cơ sở phong cách" đòi hỏi sự quen thuộc với thành ngữ hoặc từ vựng, cũng như sự nhạy cảm với các giá trị thẩm mỹ.

Quy ước
Quy ước đề cập đến một thỏa thuận hoặc sự hiểu biết chung giữa nghệ sĩ và khán giả về ý nghĩa của các ký hiệu được sử dụng. Tất cả nghệ thuật, ngay cả nghệ thuật thực tế nhất, đều có tính thông tục cao. Do đó, thuật ngữ "thông tục" không nên được sử dụng như thể đồng nghĩa với "suy đồi"; nghệ thuật suy đồi nhất có thể hoàn toàn mang tính cá nhân và không thông tục.

Thuật ngữ "trang trí" khi áp dụng cho nghệ thuật thực ra không có nhiều ý nghĩa; nếu có thì nên hiểu là dùng để chỉ nghệ thuật trong đó các yếu tố thiết kế và hoa văn (luôn hiện hữu) chiếm ưu thế.

Nghệ thuật mang tính lý tưởng
Nghệ thuật có tính lý tưởng không đại diện cho bất cứ điều gì trong bản chất mà thể hiện một khái niệm, chẳng hạn như một đường thẳng đại diện cho ý tưởng về khoảng cách ngắn nhất giữa hai điểm hoặc tạo thành "khung" của một bức tranh. "Duy tâm" cũng có nghĩa tương tự, nhưng thường được sử dụng theo nghĩa phổ biến hơn, ám chỉ sự lựa chọn và cường điệu các hình thức tìm thấy trong tạo hóa—kết hợp sự hoàn hảo để thỏa mãn sở thích cá nhân hoặc văn hóa. Theo nghĩa đạo đức và đồng cảm này, nghệ thuật là duy tâm.

Nghệ thuật mang tính tự nhiên, tính hiện thực và tính ảo tưởng
Các hình thức nghệ thuật này đối lập với nghệ thuật lý tưởng và duy tâm, cố gắng tái tạo hình ảnh tự nhiên càng nhiều càng tốt.

Vẻ đẹp khách quan, hay Cái đẹp (śrī, rūpa, saundarya)
Thị hiếu và sở thích của các nhóm dân tộc khác nhau, giống như của chúng ta, nằm ngoài sự đánh giá về mặt thẩm mỹ; chúng không thể được đánh giá theo các tiêu chuẩn của riêng chúng ta mà phải được công nhận và coi là điều hiển nhiên trước khi chúng ta có thể bắt đầu nghiên cứu một chuỗi phong cách hoặc ước tính các giá trị tương đối trong một chuỗi. Điều này không có nghĩa là chúng ta phải áp dụng các tư duy Ấn Độ về vẻ đẹp khách quan—một mục tiêu hoàn toàn lãng mạn—nhưng chúng ta phải công nhận sự tồn tại của chúng và quyền tồn tại của chúng. Chúng ta không thể bác bỏ chúng chỉ vì chúng khác với các lý tưởng của người Mỹ hoặc lý tưởng Cơ đốc giáo.

Vẻ đẹp mang tính khách quan và duy tâm so với cái không đẹp
Vẻ đẹp mang tính khách quan và duy tâm, cũng như cái xấu mang tính khách quan, lần lượt là nguồn gốc của niềm vui và sự chán ghét. Những niềm vui và khổ đau này mang tính cảm thông hơn là hoàn toàn mang tính thẩm mỹ. Tuy nhiên, những mối quan tâm này liên quan đến chủ đề bao gồm các giá trị nhân văn của nghệ thuật như một yếu tố thực tế trong cuộc sống con người và nguyên nhân ban đầu của việc sáng tạo nghệ thuật. Niềm vui có được từ các tác phẩm nghệ thuật có thể bao gồm (1) niềm vui hoặc sự quan tâm đến chủ đề hoặc chủ đề dựa trên các mối liên hệ (ví dụ, nhận ra một người thân yêu hoặc cảnh yêu thích hoặc đánh giá cao các mô tả lý tưởng phù hợp với sở thích của chúng ta) và (2) niềm vui có được từ tay nghề khéo léo, màu sắc, kết cấu hoặc hình dạng của vật thể, như một phần trong môi trường của chúng ta, cũng như từ nhận thức trí tuệ về các nguyên tắc thiết kế như tính đối xứng và nhịp điệu. Những sự không hài lòng tương ứng cũng có thể xảy ra. Trong tất cả những vấn đề này, các tiêu chuẩn tuyệt đối là không thể; mọi thứ đều là tương đối. Tuy nhiên, các tiêu chuẩn cụ thể chắc chắn sẽ chiếm ưu thế trong bất kỳ nền văn hóa nào tại bất kỳ thời điểm nào; mỗi nền văn hóa đều có phong cách riêng. Tiêu chuẩn địa phương được xác định bởi môi trường địa phương - quá khứ và hiện tại, vật chất và tâm lý - và phải được chấp nhận trong bối cảnh đó.

Tiêu chuẩn vùng miền và chất lượng nghệ thuật
Tiêu chuẩn vùng miền về vẻ đẹp khách quan, mặc dù có thể khác nhau, nhưng không thể coi là tiêu chuẩn của chất lượng nghệ thuật. Chúng ta sẽ tận hưởng nhiều hơn nếu khi xem xét một tác phẩm nhất định, chúng ta có thể tạm thời tán thành và coi là đương nhiên các sở thích hiện tại trong môi trường ban đầu của nó. Có thể có những trường hợp mà thành kiến của chính chúng ta làm cho chúng ta khó có thể đánh giá cao một chủ đề xa lạ với tư duy của mình. Trong những trường hợp như vậy, chúng ta phải chuẩn bị để ngưỡng mộ một tác phẩm mà chúng ta không thích hoặc thừa nhận rằng chúng ta thích một tác phẩm mà chúng ta không hoàn toàn tôn trọng như một thành tựu nghệ thuật vĩ đại. Những thái độ này chỉ được chấp nhận nếu chúng ta nhận thức được những gì đang xảy ra. Một nhà sư thông thái có thể thừa nhận vẻ đẹp của "Maja Desnuda" của Goya nhưng có thể không muốn treo bức tranh trong phòng của mình. Nếu một tác phẩm nghệ thuật Ấn Độ cụ thể hoặc một lý tưởng Ấn Độ về vẻ đẹp khách quan hoặc hành vi làm bạn khó chịu, hãy suy nghĩ (1) rằng sau này bạn có thể tìm thấy niềm vui tưởng tượng trong những gì ban đầu bạn không hiểu hoặc không thích; (2) rằng người phương Đông thiếu văn hóa có những định kiến tương tự nhưng trái ngược, khiến họ khó chấp nhận sở thích và lý tưởng của người châu Âu, và về mặt này, bạn không tốt hơn họ; và (3) rằng vẫn còn khả năng trải nghiệm thẩm mỹ vượt qua những sở thích và ác cảm này.

Trải nghiệm thẩm mỹ: Niềm vui vô tư, Vẻ đẹp tuyệt đối
Trải nghiệm thẩm mỹ (nhận thức, darsana, tầm nhìn) là việc nhìn thấy một điều tuyệt đối trong một đối tượng thể hiện hoặc gợi ý điều đó. Trải nghiệm này, phát sinh từ việc đồng nhất với một chủ đề, vượt qua mọi tiêu chuẩn cụ thể và trên hết là mối quan hệ chủ thể-đối tượng. Đó là khoảnh khắc của hạnh phúc vô điều kiện vừa là nguồn gốc vừa là mục đích của sáng tạo nghệ thuật. Theo những nhà thẩm mỹ học thành đạt nhất của Ấn Độ, niềm vui vô tư (rāsa, sự say mê thẩm mỹ) không dựa trên sự đồng cảm hay phản cảm mà dựa trên "một cái gì đó tuyệt đối"—một giá trị vốn có của tác phẩm nghệ thuật mà chỉ người xem sở hữu những phẩm chất nội tại tương tự mới có thể gợi lên và trải nghiệm. Những phẩm chất này, trong tư tưởng Ấn Độ, vốn có trong mỗi con người nhưng lại tiềm ẩn trong hầu hết tất cả mọi người.

Nghệ thuật như một nguồn cảm hứng
Khi nhận thức của chúng ta bị giới hạn ở "mọi thứ như chúng vốn có" hoặc khi một tác phẩm nghệ thuật bị giới hạn trong những vẻ ngoài này, thì không có gì để chiêm ngưỡng ngoài chính đối tượng, dẫn đến niềm vui hoặc sự không vui tùy thuộc vào sức hấp dẫn của chủ đề hoặc mức độ hoàn thiện của tác phẩm. Nghệ thuật, như một nguồn hỷ lạc, vẫn là một trong những khía cạnh thực tế của cuộc sống. Tuy nhiên, nếu chúng ta trải nghiệm sự đam mê thẩm mỹ và "nhìn thấy" vẻ đẹp tuyệt đối của tác phẩm, nhận thức của chúng ta vượt qua các chủ đề cụ thể và trở thành khoảnh khắc nhận diện hạnh phúc - một cái kết viên mãn. Như Thánh Thomas Aquinas đã nói một cách khéo léo rằng, nghệ thuật, không phải là mục tiêu tìm kiếm thứ gì đó bên trong nó mà nó giống như cuộc đời, " chỉ vì mục đích quán chiếu, không phải tạo tác", nghĩa là nó là một hình thức của kiến thức và sự tự nhận thức.

Kết luận
Một phác thảo ngắn gọn về lý thuyết nghệ thuật theo quan điểm của Ấn Độ cho thấy nghệ thuật Ấn Độ cho phép khả năng trải nghiệm thẩm mỹ vượt qua sở thích và thành kiến của cá nhân. Để hiểu và đánh giá đầy đủ nghệ thuật Ấn Độ, người ta phải có quan điểm khách quan và sẵn sàng khám phá môi trường văn hóa và tâm lý mà nghệ thuật nơi nó được tạo ra. Cách tiếp cận này cho phép người ta đánh giá cao những ý nghĩa và giá trị sâu sắc hơn mà ngay từ đầu, có thể nó đã không cung cấp rõ ràng về sự hiểu biết sâu hơn về ý nghĩa của nghệ thuật một cách mau chóng.

Chú thích cuối trang

[1] Việc diễn giải nghệ thuật tôn giáo phương Đông trong bối cảnh văn hóa của nó cung cấp những hiểu biết sâu sắc về cách các truyền thống nghệ thuật phù hợp với các lý tưởng tâm linh. Hiểu rõ những mối liên hệ này làm phong phú thêm sự đánh giá của một người về nghệ thuật, không chỉ đơn thuần là trang trí mà còn mang tính biểu tượng sâu sắc.

Indian Art^[1]
by Ananda K. Coomaraswamy

Source: Studies in Comparative Religion, Vol. 15, No. 3 & 4 (Summer-Autumn, 1983). © World Wisdom, Inc. www.studiesincomparativereligion.com

(The following article is a paraphrased excerpt from a prospectus written by A. K. Coomaraswamy as an introduction to a university course on Indian Art.)

The Value of this Discipline
Culture is, fundamentally, a form of consciousness—a clear and unbiased understanding of one’s own civilisation. This awareness is truly possible only when we can relate our culture to others, discerning both similarities and differences. Cultivating the ability to make subtle distinctions is essential. Unfortunately, current views about Eastern civilisations are often overly simplistic, either romanticising or dismissing it. This perspective is more provincial than cultured. To develop a nuanced understanding, students must adopt a completely impartial attitude, putting aside any preconceptions of what is "higher" or "best." Education and preconceived judgments cannot coexist. Personal preferences should be kept private; only unbiased consideration is appropriate for a student or a global citizen.

Art
In Europe, until relatively recently, art was not seen as an activity reserved for those with unique sensitivities, known as artists, nor as something appreciated only by specialised groups such as critics, connoisseurs, or art lovers. Art was considered “man’s way of accomplishing his ends” or simply, the way of doing things. It was not a product of individual fancy or taste, needing explanation for contemporary audiences, but a product of the cultural necessities of a specific time and place. Art was created by everyone, incidentally rather than deliberately, and was understandable to all. The modern distinction between “fine” and “decorative” art is misleading. Art cannot be merely applied to objects that would otherwise be purely functional; all art is, at its core, simply finely crafted handiwork.

Art is not solely the product of individual genius but is deeply woven into the fabric of life. The content and focus of life have varied across time and place. Since we are studying art from a time and place unfamiliar to us, and because we aim to appreciate what we shall come to understand—rather than merely affirming “I know what I like”—we must devote considerable time to studying the material and psychological environment in which the art was inevitably shaped. Moreover, to apply accurate terminology to the art, we must first understand the major premises of its culture. Without this understanding, we can only appreciate art superficially as long as it seems quaint, exotic, mysterious, or arbitrary. However, within its own environment, Indian art was none of these things.

Art as Expression
Art is a statement infused with rāsa (Aesthetic experience); it is man’s handiwork. Art is beautiful to the extent that it is finely executed and achieves its intended purpose; it is non-art or ugly when done carelessly and fails to meet its intended purpose. These purposes always relate to satisfying human needs, which are never purely practical (physical) or purely theoretical (spiritual); humans need bread but do not live by bread alone. When these needs are purely individual, art becomes isolated from its environment and may require explanation even to contemporaries. It is difficult to understand why such art would be exhibited. However, when these needs are general (e.g., early Italian painting or Indian sculpture), art is comprehensible to all average contemporaries and is used rather than exhibited. This kind of art may even become “universal,” meaning it can be understood and used beyond its original environment.

Form
Just as shape is the outward expression of the theme, form is the outward manifestation of content; the theme is communicated through shape, and the actual value is conveyed through form. While theme and shape are consciously determined and can be changed at will, content and form depend not on will, but on virtue or, we might say, the grace of God. Varying degrees of this grace or energy distinguish successive periods (e.g., primitive, classical, decadent) in the history of any one cycle of art, forming a stylistic sequence. However, the term "style" more generally refers to the idiom, characteristic shapes, and formulae of a given ethnic group or period. The concept of "stylistic sequence" also includes changes within this field. The ability to date objects "on stylistic grounds" requires familiarity with idioms or vocabulary, as well as a sensitivity to aesthetic values.

Convention
Convention refers to an agreement or common understanding between the artist and the spectator regarding the meaning of the symbols used. All art, even the most realistic, is highly conventional. Therefore, the term "conventional" should not be used as though synonymous with "decadent"; the most decadent art may be entirely personal and unconventional.

The term "decorative", when applied to art, has little real meaning; if it has any, it should be understood as designating art in which design and pattern elements (which are always present) predominate.

Ideal Art
Ideal art does not represent anything in nature but expresses a concept, such as a straight line representing the idea of the shortest distance between two points or forming the "frame" of a picture. "Idealistic" should mean the same, but is generally used in a more popular sense, referring to the selection and exaggeration of forms found in nature—combining perfections to satisfy personal or cultural tastes. In this ethical and sympathetic sense, art is idealistic.

Naturalistic, Realistic, and Illusionistic Art
These forms of art are opposed to ideal and idealistic art, striving as much as possible to reproduce natural appearances.

Objective Beauty, or Loveliness (śrī, rūpa, saundarya)
The tastes and interests of different ethnic groups, like our own, are beyond aesthetic criticism; they cannot be judged by our own standards but must be recognised and taken for granted before we can begin to study a stylistic sequence or estimate relative values within a sequence. This does not mean we must adopt Indian ideals of objective beauty—a purely romantic goal—but we must recognize their existence and their right to exist. We cannot dismiss them simply because they differ from American or Christian ideals.

Objective and Idealistic Beauty vs. Ugliness
Objective and idealistic beauty, as well as objective ugliness, are sources of pleasure and distaste, respectively. These pleasures and pains are sympathetic rather than purely aesthetic. However, these interests connected with the subject include the human values of art as a practical factor in human life and the original causes of its production. Pleasures derived from works of art may include (1) pleasure or interest in the theme or subject based on associations (e.g., recognising a loved person or favourite scene or appreciating idealised depictions that align with our tastes), and (2) pleasure derived from the skilled workmanship, colour, texture, or shape of the object, as part of our environment, as well as from the intellectual perception of design principles like symmetry and rhythm. Corresponding displeasures are also possible. In all these matters, absolute standards are impossible; everything is relative. However, particular standards will inevitably prevail in any given culture at any one time; every culture has its style. Local standards are determined by the local environment—past and present, material and psychological—and must be accepted within that context.

Local Standards and Artistic Quality
Local standards of objective beauty, though they may vary, cannot be taken as criteria of artistic quality. We will enjoy ourselves much more if, when examining a given work, we can momentarily endorse and take for granted the preferences current in its original environment. There may be cases where our own biases make it difficult to appreciate a theme alien to our spirit. In such cases, we must be prepared to admire a work we do not like or admit that we like a work we do not fully respect as a great artistic achievement. These attitudes are acceptable only if we are aware of what is happening. A wise monk may acknowledge the beauty of Goya’s "Maja Desnuda" but may not wish to hang the picture in his cell. If a particular work of Indian art or an Indian ideal of objective beauty or conduct annoys you, reflect (1) that you may later find imaginative pleasure in what you initially do not understand or like; (2) that the uncultured Oriental man has similar but opposite prejudices, making it difficult for him to accept European tastes and ideals, and in this respect, you are no better than he is; and (3) that there remains a possibility of aesthetic experience that transcends these likes and dislikes.

Aesthetic Experience: Disinterested Pleasure, Absolute Beauty
Aesthetic experience (realization, darsana, vision) is the beholding of an absolute in an object that expresses or suggests it. This experience, arising from identification with a theme, transcends all particular standards and, above all, the subject-object relationship. It is a moment of unconditioned bliss that is both the source and the end of artistic creation. According to India’s most accomplished aestheticians, disinterested pleasure (rāsa, aesthetic rapture) is not based on sympathy or antipathy but on "something absolute"—a value intrinsic to the work of art that can be evoked and experienced only by the viewer who possesses similar intrinsic qualities. These qualities, in Indian thought, are inherent in every man but dormant in most.

Art as a Source of Pleasure
When our perception is limited to "things as they are" or when a work of art is confined to these appearances, there is nothing to behold beyond the object itself, resulting in pleasure or displeasure depending on the theme’s appeal or how well the work is crafted. Art, as a source of pleasure, remains one of life’s practical aspects. However, if we experience aesthetic rapture and "see" the work’s absolute beauty, our perception transcends particular themes and becomes a moment of blissful realisation—an end in itself. As St. Thomas Aquinas aptly puts it, art, like life, is "for the sake of contemplation, not action," meaning that it is a form of knowledge and realisation, not an aim in itself.

Summary
This brief outline of the theory of art from the Indian perspective shows that Indian art allows for the possibility of an aesthetic experience that transcends individual preferences and biases. To fully understand and appreciate Indian art, one must adopt an unbiased perspective and be willing to explore the cultural and psychological environment in which it was created. This approach enables one to appreciate the deeper meanings and values that may not be immediately apparent and offers a more profound understanding of the art’s significance.

Endnotes

[1] The interpretation of Eastern religious art within its cultural context provides insights into how artistic traditions align with spiritual ideals. A clear understanding of these connections enriches one’s appreciation of the art, which is not merely decorative but deeply symbolic.